Noticias acerca del mercado del arte

“En el arte actual la distancia entre lo que vemos y lo que sabemos es tan grande que el espectador medio acaba sin comprender el arte, aunque lo respete porque sabe que está respaldado por la crítica. El esquema sería este: las galerías y las leyes de mercado definen la evolución del arte,que a su vez va a ser consagrado por los críticos de las revistase specializadas. Estas críticas se van estereotipando y así pasan a las historias de arte escolares como criterios estéticos queserán aprendidos, pero casi nunca comprendidos”[1]

El arte se ha convertido en un objeto de valor económico, hasta el punto deque algunos artistas realizan obras con criterio comercial y algunos coleccionistas se gastan sumas muy elevadas en comprar obras, sabiendo que el oro y otros medios de inversión pueden bajar o subir, pero que el arte mantiene su valor en continuo ascenso.

Mercado: ámbito virtual dónde actúa oferta y demanda de un producto, añadiendo que el producto arte es único e irrepetible porque contiene creación, que es el valor más alto agregado que existe en producto alguno.

¿A nivel mundial quien mueve el mercado?

- El coleccionista privado

- Los marchantes

- Galerías

- Museos

- Los propios artistas

- Las casas de subastas

Actualmente hay tres grandes compañías liderando el mercado del arte:

- Sotheby’s

- Chistie’s

- Phillips

En el negocio del arte han ingresado nuevos protagonistas que podrían ayudar a subir aún más el mercado: son los llamados “fondos de inversiónde arte”, por ejemplo, la empresa pública de ferrocarriles de Gran Bretaña, que en 1974 asesorados por Sothebys, invirtió 75millones Us$ en obras de arte y luego en los años 90 vendieron gran parte de estas obras con un retorno promedio del 13% anual, y si hubiesen esperado 5años más para vender, hubiesen tenido un retorno del 20%.

Sabemos que el mercado del arte contemporáneo se define al mismo tiempo que se produce. Según Karl Schweizer, especialista en arte del banco suizo UPS, hay tres factores que empujan los precios hacia arriba:

- los ricos son cada vez más ricos

- se sienten más cómodos con inversiones alternativas como el arte.

- Hay pocos artistas modernos clásicos activos entre 1970 y 1950.

Los coleccionistas tradicionales en general, tienen su origen en la industria, en la producción, donde en general, los precios atractivos son los precios bajos, pero muchos nuevos coleccionistas provienen del mundo financiero, donde lo atractivo son los valores al alza,donde conviene que las cosas suban, en parte por esto suben de esa manera disparatada llos valores del arte, porque se ha instalado una lógica financiera.

El crecimiento desmesurado de esta burbuja viene por varios factores:

- el crecimiento de casi toda la economía mundial, mucho dinero dando vueltas en busca de posibles inversiones.

- La aparición de nuevos coleccionistas, los rusos, los indios, los chinos y otros países asiáticos, con enormes cantidades de dinero y comportamientos imprevisibles para los occidentales.

- La oferta y la demanda: no hay tantas buenas obras en venta.

- En los años 90 el fanatismo de los japoneses por los impresionistas llevó los precios a las nubes, ahora la furia compradora es rusa, china, india y de los magnates financieros, además se acabaron las pinturas de los clásicos y se paga lo que sea por los contemporáneos.

“Se habla de un exceso de dinero en el mundo, y no hay demasiadas inversiones alternativas enel mundo” (Gilardoni, editor desde hace 25 años de la revista especializada TRASTIENDA”

Cuando faltan o sobran papas, el precio sube o baja. Cuando las cosas llegan a la categoría de coleccionables, como las estampillas, las tiramos cuando ya están selladas y usadas y valen disparates cuando quedan dos o tres.Con la pintura es diferente, el coleccionista se viste de prestigio con su colección y, a diferencia de la literatura, no hay que leer una obra o comprenderla para que empiece a embellecernos, no requiere en tiempo,se cuelgan y llenan de prestigio al propietario donde quiera que vaya.El valor de la obra depende de los críticos y de los marchantes que controlan la subasta y esto no escapa a la especulación.

¿Porqué creer que en el juego del mercado, la obra mantendrá su valor?Carlisle(representante de Christie’s) dice que hay algo más quenegocios: “Las obras tienen un valor, eso estáprobado.Pero también dan placer, se goza de ellas. No es un papel económico flotando en el ciberespacio”.

Hay obras que al comprarlas como inversión, van a parar a lugares segurisimos, como la boveda de un bando. Y nadie nunca mas los ve.

SON TAN VALIOSOS COMO MERCANCIA QUE LOS CUADROS DEJAN DE SER ARTE. SIRVEN PARA SER COMPRADOS Y VENDIDOS, CONVERTIDOS EN LINGOTES SIN QUE NADIE LAS MIRE, ESAS OBRAS NO EXISTEN. HAN MUERTO.

Por ejemplo: "Retrato del doctor Gachet" - Van Gogh y "El molino de de la Galete" - Renoir

“La obra vale lo que se paga, si no hay ningún postor, no vale nada”, dice Petruchonsky, profesor arte del s. XX dela UBA.

El valor de una obra tiene que ver con que hay millonarios que están dispuestos a pagar precios altos por obras que son muy raras, que casino hay. Tiene que ver conla demanda…

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[1] El arte contemporáneo. Análisis de sus características y de la forma que es percibido.; Jose Ángel Martín Martín

Imagenes para el primer trabajo

EL DECLIVE DE LA CIUDAD. ROBERT HUGHES

Durante siglos la cuna del arte estuvo en Roma, después en París y, por último, se centralizó en Nueva York,actualmente el arte está descentralizado, en cualquier lugar del mundo puede haber un buen artista. Entre 1945 y 1970 floreció la escuela de Nueva York.Tres generaciones de pintores y escultores parecían haber despojado a Europa desu centralismo. En primer lugar los expresionistas abstractos, como Pollock, DeKooning, Rothko… En segundo lugar Noland, Olitski, Louis…Y en tercer lugar, a principios de los años 70, Johns, Rausschenberg, Oldenburg…Estos años de la escuela de Nueva York no podrán rivalizar nunca con los años 1870-1914 enParís.

Tanto en Australia como en América,en regiones, provincias alejadas del núcleo que suponía Nueva York, sucedía unaespecie de resignación ante la superioridad cultural que se suponía había en el nuevo centro mundial del arte: Nueva York, lo que produjo una especie de complejo cultural, que asumía que cualquier cosa que se haga en el campo de laliteratura, la pintura, la escultura, etc… carece de valor en tanto no sea juzgado por personas ajenas a la propia sociedad donde se ha producido.

En Australia se carecía de obras maestras en sus museos, en las escuelas se enseñaba a hacer a los clásicos,pero no los tenían para mostrarlos. Se tendió a sumir que había una falta de preparación y esta falta de preparación hacía imposible entender, por ejemplo,la obra de Newman o de Rothko. El nuevo lenguaje parecía tan superior que no sepodía entender, lo provinciano aspiraba a la seguridad que parecía tener la capital del arte: Nueva York. El nuevo lenguaje creó una especie de complejo,En Australia había miedo a proclamar sus propias obras, por el temor de parecer torpes, por miedo a ser considerados provincianos.

Las imágenes modernas se normalizaban desde el centro hacia fuera. La diferencia actual es que, en vezde haber un imperialismo de lugar, ahora tenemos el imperialismo de mercado,que opera internacionalmente.

La inflación del mercado, lavictoria de la promoción sobre el conocimiento, la pobreza de la preparación artística, la postura de los museos… son hechos que no van a desaparecer de un día para otro.

Nueva York perdió su primacía en los años 80, al igual que París la perdió en los 50 y Roma lo hizo en 1670; y no esque Nueva York haya sido reemplazada por otra ciudad, sino que la idea de un único centro de arte está a punto de desaparecer. Parece que con la muerte dePicasso se marcó el final de un periodo en el arte occidental de gran contundencia; la idea de que Europa estaba culturalmente agotada fue un ingrediente que hizo crecer la austoestima americana.

La causa de una pérdida de talento en la pintura y escultura americana y europea parece vinculada al declive general en los niveles educacionales. La enseñanza del arte moderno(especialmente en América) se ha reducido a la ficción de que los valores académicos (que se basan en la transmisión de las disciplinas basadas en el dibujo de un modelo vivo y los modelos naturales) son contrarios a la creatividad. Esta falsa idea ha permitido a los americanos ignorar que prácticamente todos los artistas que crearon y extendieron la empresa del arte moderno se formaron bajo este sistema, y que no podrían haber hecho más sinestas habilidades. Consistía en dejar hacer al alumno lo que quisiese, demanera que el profesor hacía a su vez también lo que quería, que era no enseñar(más aún cuando la mayoría de ellos tampoco sabía dibujar).

Otro de los factores que contribuyeron a la decadencia de la tradición de las Bellas Artes en las escuelas americanas en los años 60 y 70 y en general en toda Europa, fue la afirmación que puso por encima de la práctica y de la realización la teoría, esto como resultado de la anexión de la enseñanza artística a las universidades. También lo fue el reproducir las obras de arte en lugar del contacto directo con ellas (sólo através de diapositivas), lo que empujó las experiencias artísticas hacia lo incorpóreo, lo conceptual.

El no presenciar las obras de artede manera directa hace perder la noción de su tamaño real o de sus cualidades vitales de textura, color, trazo… Las obras sufrían una abstracción, una pérdida de presencia.

Antes de toda esta revolución en las artes y de la aparición de los medios de comunicación de masas, la pintura tenía un acuerdo con la realidad, era una forma primaria de discurso social. La enseñanza artística se volcó en la formación y no en la experiencia.

Existen diferencias extremas entrelos valores de la pintura y la escultura y de los medios audiovisuales: el arte necesita una mirada prolongada: es un objeto físico, con su escala y densidadpropia, como cosa en el mundo, sus imágenes no pasan, tiene referencias al mundo interior y al exterior.

ORTEGA Y GASSET: LA DESHUMANIZACIÓN DEL ARTE

Ortega y Gasset escribió este textoen 1925, fue publicado en un periódico, por lo que iba dirigido a cualquieraque lo leyese; por lo cual, a parte de la polémica que suscitó el texto, laintención del autor era explicar la impopularidad del arte nuevo donde, segúnél, se encuentra su esencia. Según el autor hay que saber de arte para entenderel arte:

“ no soy yo quienpara sentenciar, ni creo que sentencias tales importen mucho, si los nuevosgestos de arte son acertados o torpes, pero lo que me parece evidente es quehay una obligación de entenderlos”[1]

Se puedever en sus afirmaciones que lo que realmente le preocupa es el conocimiento, laeducación del pueblo. La obra del arte nuevo tiene la función de educar, ya queno deja cabida a la implicación sentimental y racional, sino que frena losimpulsos y nos fuerza a pensar.

“Se trata de unacuestión de óptica sumamente sencilla. Para ver un objeto tenemos que acomodarde una cierta manera nuestro aparato ocular. Si nuestra acomodación visual esinadecuada, no veremos el objeto o lo veremos mal. Imagínese el lector queestamos mirando un jardín a través delvidrio de una ventana. Nuestros ojos se acomodarán de suerte que el rayo devisión penetre en el vidrio, sin detenerse en él y vaya a prenderse en lasflores y frondas. Como la meta de la visión es el jardín y hasta él va lanzadoel rayo visual, no veremos el vidrio, pasará nuestra mirada a su través, sinpercibirlo. Cuanto más puro sea el cristal, menos lo veremos. Pero luego,haciendo un esfuerzo, podemos desentendernos del jardín y, retrayendo el globoocular, detenerlo en el vidrio. Entonces el jardín desaparece a nuestros ojos yde él sólo vemos unas masas de color confusas, que parecen pegadas al cristal.Por tanto, ver el jardín y ver el vidrio de la ventana son dos operacionesincompatibles: la una excluye a la otra y requieren acomodaciones ocularesdiferentes”

No hay queperder de vista que lo que vemos es una representación. Tenemos que mantenernosalejados sentimentalmente. Ortega escribe:

“No comprendo como elque va a una exposición se complace en hallar allí cuadros parecidos a los queinnumerables veces ha visto ya, y no exige más bien que las paredes lepropongan costas intactas de continentes recién nacidos. ¿Puede tener el artemás alta misión en la vida que esta de permitirnos una evasión visual de locotidiano, de los que ya somos y sabemos?[2]“

Ortega yGasset reta al público, a la masa, al pueblo a pensar, a entender. Afirma que elarte nuevo no es para todo el mundo, como el romántico, sino que va dirigido auna minoría especialmente dotada; la característica más evidente del arte nuevoes un impopularidad, y no se refiere a impopular porque aún no se conoce, sinoimpopular como anti-popular, el pueblo no lo acepta no se siente identificado,se queda sin papel ante una obra nueva, ya que en ella no encuentrarepresentaciones de la realidad como, por ejemplo, en el romanticismo. Noreconoce en un cuadro “nuevo” la alegría ni el sufrimiento humano, etc. Elespectador no entiende lo que ve, y por eso el arte nuevo es rechazado sin más.

SegúnOrtega y Gasset este arte crea un fenómeno sociológico el cual divide a lasociedad en dos: una minoría que lo entiende y una mayoría que no lo entiende.Lo que procura Ortega es que se entienda y, para ello, explica lascaracterísticas de este nuevo arte, la principal la “deshumanización”, evitarlas formas vivas, eludir todo sentimiento.

“Nos deja encerradosen un universo abstruso, nos fuerza a tratar con objetos con los que no cabetratar humanamente”[3]

“La realidad acechaconstantemente al artista para impedir su evasión ¡Cuánta astucia supone lafuga genial!”[4]

“Larelación de nuestra mente con las cosas consiste en pensarlas, en formarse ideasde ellas. En rigor, no poseemos de lo real, sino las ideas que de él hayamoslogrado formarnos… Con las ideas, pues, vemos las cosas, y en la actitudnatural de la mente no nos damos cuenta de aquellas, lo mismo que el ojo almirar no se ve a si mismo… Pero es el caso que entre la idea y la cosa haysiempre una absoluta distancia. Lo real rebosa siempre del concepto que intentacontenerlo. El objeto es siempre más y de otra manera que lo pensado en suidea”[5]

“Si nos proponemos deliberamente realizar lasideas -, habremos deshumanizado, desrealizado estas. Porque ellas son, enefecto, irrealidad. Tomarlas como realidad es idealizar- falsificaringenuamente… El pintor tradicional que hace un retrato pretende haberseapoderado de la realidad de la persona cuando, en verdad y a lo sumo, ha dejadoen el lienzo una esquemática selección caprichosamente decidida por su mente dela infinitud que integra la persona real. ¿Qué tal si, en lugar de quererpintar a ésta, el pintor se resolviese a pintar su idea, su esquema de lapersona? Entonces el cuadro sería la verdad misma y no sobrevendría el fracasoinevitable. El cuadro renunciando a emular la realidad, se convertiría en loque auténticamente es: un cuadro –una irrealidad.”[6]

El objetoartístico sólo es artístico en la medida en que no es real. Para poder gozardel retrato ecuestre de Carlos V, por Tiziano, es imprescindible que no veamosallí a Carlos V en persona, auténtico y viviente, sino que en su lugar, hemosde ver sólo un retrato, una imagen irreal, una ficción. El retratado y elretrato son dos objetos distintos.

“El arte no puedeconsistir en el contagio psíquico, porque éste es un fenómeno inconsciente y elarte debe ser todo plena claridad, mediodía de intelección… El placer estéticotiene que ser un placer inteligente. Porque entre los placeres los hay ciegos yperspicaces. La alegría del borracho es ciega; tienen como todo el mundo sucausa: el alcohol, pero carece de motivo. El favorecido con un premio de lalotería también se alegra, pero con una alegría muy diferente; se alegra “de”algo determinado. La jocundía del borracho es hermética, está encerrado en símisma, no sabe de donde viene y, como suele decirse, “carece de fundamento”. Elregocijo del premiado, en cambio, consiste precisamente en darse cuenta de unhecho que lo motiva y justifica… Todo lo que quiera ser espiritual y nomecánico habrá de poseer este carácter perspicaz, inteligente y motivado. Ahorabien: la obra romántica provoca un placer que apenas mantiene conexión con sucontenido. ¿Qué tiene que ver la belleza musical que debe ser algo situadoallá, fuera de mi, en el lugar en el que el sonido brota –con losderretimientos íntimos que en mí acaso produce y en paladear los cuales elpúblico romántico se complace? ¿No hay aquí un perfecto quid pro quo? En vez degozar del objeto artístico, el sujeto goza de sí mismo; la obra ha sido sólo lacausa y el alcohol de su placer.” [7]

Ortegahabla de las figuras de cera, de la extraña sensación que producen. Son tanreales que no podemos tener ante ellas una actitud clara, si las miramos comoseres vivos descubrimos que sólo son muñecos, y si las miramos como ficción nosasusta su asombroso parecido a una persona real, no hay manera de reducirlas ameros objetos,

“Me parece que la nuevasensibilidad está dominada por un asco a la humano en el arte muy semejante alque siempre ha sentido el hombre selecto ante las figuras de cera. En cambio,la macabra burla cerina ha entusiasmado siempre a la plebe”[8]

Comosucedía en Grecia, las estatuas se hacían para crear sensaciones automáticas,más que estatuas, fabricaban ídolos que producían efectos en el pueblo. En elarte nuevo, lo que provoca reacciones automáticas tiene que quedar fuera delámbito del arte, porque impide quese disfrute de la obra de forma intelectual. Lo que provoca una reacción queeclipsa, como es el caso por ejemplo de las estatuas de cera, o de laestatuaria griega o romana hay que dejarlo fuera del arte.

La nuevateoría del arte se produce de forma contraria a la anterior, no idolatra a laimagen, las imágenes son representaciones, las imágenes son nada más queimágenes. Las representaciones figurativas se valoraban y se reproducían paraprovocar un determinado efecto, siendo una cosa “no viva” nos hace reaccionarcomo si estuviera viva y no lo está; pero el nuevo arte diferencia entre larepresentación y la realidad de donde se coge la idea de lo representado. Unejemplo de arte nuevo sería la obra de Magritte “La traición de las imágenes”,un cuadro donde se representa una pipa y debajo escrito –esto no es una pipa-.

“Magritte odia lacontemplación (el cuadro perfecto no permite la contemplación, sentimientotrivial y desprovisto de interés…) y pide una participación intelectual en suscuadros, que son instrumentos para pensar. Metamorfosis de ideas en imágenes;modos inusuales de hacer vivir el pensamiento…”[9]

“Demos la palabra aMagritte: “¿”Quién podría fimar la pipa de un de mis cuadros? Nadie, porconsiguiente: NO ES UNA PIPA”[10]

SegúnFoucault esto es demasiado simple, cree que Magritte crea mucha másincertidumbre, piensa que la extrañeza del cuadro no es la contradicción entrela imagen y el texto, ya que sólo podría haber contradicción entre dosenunciados, pero este enunciado es verdadero porque es muy evidente que eldibujo que representa una pipa no es una pipa.

“Lo que desconciertaes que resulta inevitable relacionar el texto con el dibujo (a lo cual nosinvita en el demostrativo, el sentido de la palabra pipa, el parecido con laimagen), y es que es imposible definir el plan que permita decir que laaserción es verdadera, falsa, contradictoria. No puedo quitarme de la cabezaque la diablura radica en una operación que la simplicidad del resultado hahecho invisible, pero que sólo ella puede explicar el indefinido malestar queéste provoca. “[11]

Comovemos, esta obra aparentemente simple, más un juego que un cuadro, genera unaserie de actitudes mentales ante la obra, el cuadro, que no son exclusivamentecontemplativas, y precisamente este es el fin, el fundamento del arte nuevo. Setrata por tanto de un trabajo intelectual, de ahí que Ortega y Gasset afirmeque este nuevo arte va dirigido a una minoría selecta, y no con el fin dediscriminar, ni de dividir una sociedad en dos, una mejor y otra peor, sino simplementediferentes, ya que la gran mayoría, la masa, no está preparada para esteproceso mental que requieren la sobras del nuevo arte, el pueblo no estápreparado intelectualmente, aunque el fin que pretende Ortega es conseguir quesí lo esté, quiere acercar el nuevo arte para que sea entendido por todos.

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[1] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 183

[2] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 197

[3] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 60.

[4] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 61

[5] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 72

[6] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 73

[7] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 65.

[8] La Deshumanización del Arte; Ortega y Gasset, pag. 66.

[9] Esto no es una pipa; Michael Foucault, pag. 15

[10] Esto no es una pipa; Michael Foucault, pag. 18

[11] Esto no es una pipa; Michael Foucault, pag. 32

Definiciones

Idea: Cualquier representación existente en la mente o cualquier elaboración de ella por las que se relaciona con el mundo.
· Concepto o juicio formado de una persona o cosa.
· Parte sustancial de un teoria.
· El pensamiento que se genera acerca de algo.
Concepto: cuando se construye,se crea una imagen activa
.seria la definicion de una cosa(los griegos son los primeros en plantearse definir las cosas y crear conceptos,construir una definicion que valga para todos los supuestos posibles,algo genérico,universal). Representación símbolica, generalmente por medio del lenguaje, de una idea abstracta y general.Pensamiento expresado con palabras.
Proceso: son las fases por las que hay que pasar para crea algo.Conjunto de fases sucesivas de un fenómeno o de una operación artificial
Creación: es el resultado de un proceso.Es una acción de producir, de crear algo que aun no hay, o no se conoce.
Arte: cualquier cosa que se crea y es original,es crear combinando lo que ya hay.Manifestación de la actividad humana,relacionando ciertos objetos o cosas de manera especial, sin ningún interés específico, sólo el de crear arte.El objeto es arte, dependiendo de como se use despues de crearlo.Obra humana que expresa, mediante diferentes materiales, una imagen estética. La gente cuando piensa en arte, piensa en cosas parecidad a la Gioconda y a la Victoria de Samocraca.


¿Que es arte? J. Cabrera nos habla de benedetto croce , el cual decia que arte es todo aquello que sabemos todos que es. Y que ademas la obra de arte irradia espiritualidad. Aunque la rueda de Duchamp, es arte pero se sale de definición de benedetto croce.

Definición de arte

Lenguaje:Se llama lenguaje a cualquier tipo de código semiótico estructurado, para el que existe un contexto de uso y ciertos principios combinatorios formales.Existen muchos contextos tanto naturales como artificiales donde aparecen lenguajes.
.El lenguaje humano,se basa en la capacidad de los seres humanos para comunicarse mediante signos.Principalmente lo hacemos utilizando el signo linguístico.
.El lenguaje animal
.Los lenguajes formales,son construcciones artificiales humanas, que se usan en matemáticas y otras disciplinas formales, incluyendo lenguajes de programación.
Definición de lenguaje
Signo:elementos que trasmiten ideas en las culturas prealfabetizadas.
.Señal, indicio.
.Cosa que evoca a otra.
Definición de signo
Comunicación:es un fenómeno de carácter social que comprende todos los actos mediante los cuales los vivos se comunican con sus semejantes para transmitir o intercambiar información.
.Comunicar significa poner en común e implica compartir.
.Todos los dias los seres vivos se comunican de diferentes maneras, pero sólo los seres humanos podemos hacerlo racionalmente; por ello se dice que la comunicación humana es un proceso:
-dinámico: porque esta en continuo movimiento.
-inevitable: porque se requiere para la transmisión de significados.
-irreversible: porque una vez realizada, no puede regresar, borrarse o ignorarse.
-bidireccional: porque existe una respuesta en ambas direcciones.
-verbal y no verbal: porque implica la utilización de ambos lenguajes.
.Comunicarse es hacer conocer a otras personas nuestros conocimientos o pensamientos.Para que exista una comunicación debe existir un emisor, un receptor, un mensaje, y un canal a través del cual se enviará el mensaje.Si alguno de estos elementos falla se dice que se ha producido una interferencia y no podrá establecerse la comunicación.
Expresar:Decir, manifestar con palabras o con otros signos exteriores lo que uno siente o piensa.
.Manifestar algo o hacerse entender por medio de la palabra u otros signos.
Expresión:Hace referencia, en su sentido originario, al movimiento del interior hacia el exterior, es decir, una presión hacia afuera, aunque su acepción más común es la de la demostración de una idea o de los sentimientos.
La expresión abarca muchas facetas, y la expresión artística es una de ellas, el plasmar de una manera visual y simbólica los pensamientos del autor; aún cuando la expresión sea abstracta, siempre representa una inquietud o una idea del creador.
Definición de expresión
Representar:Ejecutar públicamente una obra dramática.
.Sustituir a otra persona o a una entidad.
.Ser imagen o símbolo de una cosa, o imitarla perfectamente.
.Hacer presente una cosa en la mente por medio de signos, palabras, imágenes, etc..
Composición:Formación de un todo o un conjunto unificado uniendo con cierto orden una serie de elementos.
.Manera en las que estan dispuestas las figuras representadas las figuras representadas en una fotografia, pintura o escultura.
Definición de composición

Estetica